Wie definieren Sie Gesang?

Nun, künstlerisch gesehen, ist Gesang die Verwendung der Stimme auf musikalische Art um Vorstellungen und Gefühle an ein Pulikum zu vermitteln. Technisch jedoch, ist Gesang lediglich das Aushalten des Gesprochenen über einen größeren Stimm- und Lautumfang.

Was ist der Schlüssel dafür, gut singen zu können?

Die Fähigkeit jederzeit eine Klangproduktion auf Sprechniveau aufrecht halten zu können – die von einem zu einem anderen Teil des Stimmumfangs „verbunden“ bleibt. Man singt nicht, wie man spricht, aber man muss den gleichen angenehmen und leicht erzeugten Stimmzustand beibehalten, den man beim Sprechen hat, so dass man sich nicht „nach oben streckt“ zu hohen Tönen oder „nach unten drückt“ für tiefe.

Ist Singen wirklich so einfach?

Ja. Da ist kein großes Geheimnis dabei. Doch obwohl es einfach zu verstehen ist, braucht es Zeit und Geduld alles so zu koordinieren, dass man es gut kann.

Wie stufen Sie die Stimme eines Sängers ein?

Das tue ich nicht! Zumindest nicht sofort. Es ist falsch eine Stimme vorzeitig einzustufen, bevor man wirklich herausfindet, was sie kann. Zu oft ist der vorhandene Stimmumfang der ausschlaggebende Faktor, den Sänger in eine bestimmte Kategorie einzuordnen. Der  wichtigste, zu betrachtende Gesichtspunkt ist die grundsätzliche Qualität der Stimme. Angenommen eine Sprechstimme ist klar und ungezwungen, dann sollte die Singstimme auf der Qualität dieser Sprechstimme aufgebaut sein.

Welchen verfügbaren Stimmumfang erwarten Sie von einem Sänger, der mit Ihnen studiert hat?

Jeder hat unterschiedliche stimmliche Fähigkeiten, aber im Durchschnitt:

- Bass sollte vom tiefen E bis G über Mittel C singen können.

- Bariton sollte vom tiefen G bis zum H, direkt unter dem hohen Tenor C, singen können.

- Tenor sollte vom C (unter MittelC) zum hohen C singen können.

- Alt sollte vom tiefen C (unter Mittel C) zum hohen C singen können.

- Mezzo-Sopran sollte vom G (unter Mittel C) bis zum Es über hohem C singen können.

- Sopran sollte vom G (unter Mittel C) zum F über hohem C singen können.

Alle Stimmen sollten fähig sein eine verbundene Klangproduktion auf Sprechniveau durch den gesamten Umfang aufrecht zu erhalten.

Sind diese extrem hohen Noten nicht nur für Stimmen in der entsprechenden Gruppierung?

Das sollten sie nicht sein, wenn der Kehlkopf in einer entspannten, stabilen Sprechniveauposition verweilt, und es den Stimmlippen erlaubt, sich mit dem Atemfluss frei anzupassen. Diese Tonhöhen befinden sich in der technischen Fähigkeit von viel mehr Leuten wieder als man denken würde. Vielleicht können sie diese Noten nicht lange aushalten, aber sie sollten sie mit guter Technik singen können. So werden sie für jede Art von Lied immer einen Vorrat an Noten jenseits der gewöhnlichen Anforderungen an den Stimmumfang haben.

Wie legen Sie fest, welche Klangqualität eine Singstimme haben sollte?

Noch einmal, das tue ich nicht! Der Klang eines Sängers sollte durch die individuelle Stimmanatomie festgelegt sein und nicht durch eine vorweggenommene Idealvorstellung des Lehrers – oder des Schülers selbst! Er sollte eine Mischung aus hohen, mittleren und tiefen Resonanzqualitäten sein, die zustande kommt, wenn der Kehlkopf des Sängers in einer entspannten und gleichbleibenden Position bleibt.

Wie steht es mit Atmung? Spielt richtige Atmung nicht eine wichtige Rolle bei der Fähigkeit zu guter Klangproduktion?

Natürlich. Aber die Wichtigkeit der Atmung wurde von Gesangslehrern auch viel zu lange überbewertet. Richtiges Atmen ist ein Nebenprodukt guter Technik – genau wie die Resonanz-Qualität ein Nebenprodukt ist. Man sollte niemals direkt an der Entwicklung der Atmung arbeiten, außer man hat eine schlechte Körperhaltung und einen eingedrückten Brustkorb (der beim Ausatmen unkontrolliert zusammenfällt). Man entwickelt die richtige Atemstütze für den Klang indirekt indem man den Kehlkopf daran gewöhnt sich nicht zu bewegen und die äußeren Muskeln daran, sich zu entspannen. Wenn man einen Sprechniveauansatz beim Singen verwendet, passiert alles automatisch, einschließlich wie viel Luft man zur Bewegung der Stimmlippen verwendet.

Wie steht es damit Symbolik zur Entwicklung von Klang zu verwenden?

Stimmliche Symbolik funktioniert nicht immer. Symbolik, die eine positive Muskelantwort in einer individuellen Stimme hervorruft, kann in einer anderen Stimme eine negative Antwort hervorrufen. Ich ziehe es vor lieber Übungen zu verwenden, die eine eindeutige Ursache und Wirkungs-Beziehung haben und das gewünschte Ergebnis erzeugen, als sich auf unklare Beschreibungen zu verlassen, die aus den Erfahrungen einer anderen Person kommen.

Was ist der Unterschied zwischen Herausragen und Schreien?

Herausragen ist das akustische Phänomen, das auftaucht, wenn man Klang mit einer ausreichenden Balance zwischen Luft und Muskel erzeugt. Schreien, auf der anderen Seite, bedeutet die Verwendung von Luftdruck, der die Stimme blockiert.

Warum sollte ich so sehr auf meine Klangqualität Acht geben, wenn ich mit einem Mikrofon singe?

Elektrische Verstärkung und Veränderung der Stimme hat eine wichtige Bedeutung in der Kommunikations- und Unterhaltungsindustrie, jedoch sollte dies nicht anstelle einer gesunden und effektiven Stimmerzeugung treten.

Muss man die Klangerzeugung verändern, wenn man verschiedene Stimmungen und Stile darstellt?

Nein! Die meisten Unterschiede bei Gesangsstilen liegen in der Musik selbst – die Notensequenz und bestimmte gesangliche Besonderheiten, die in einer bestimmten Ort- und Zeitgeschichte beliebt sind. Wenn man die Stimme anpasst, um bestimmten Klangidealen gerecht zu werden, riskiert man die Klangproduktion auf  Sprechniveau zu beeinträchtigen, was für die Stimmgesundheit sehr gefährlich ist. Die Stimme kann jedoch „durch Gedanken gefärbt“ werden. Wenn man an das denkt, worüber man singt, macht es einen Unterschied in der Übertragung, nicht in aber in der grundlegenden Erzeugung.

Wie sucht man sich einen Gesangslehrer aus?

Zunächst muss man fähig sein zu unterscheiden, ob ein Lehrer vorrangig ein Gesangstechnik-Lehrer (jemand der zeigt, wie man singt) oder vorrangig ein Gesangs-Coach ist (jemand der zeigt, was man singt). Von beiden Typen ist der Gesangstechnik-Lehrer der wichtigere, denn ohne die technische Fähigkeit beweglich und klar in allen Bereichen des Stimmumfangs zu singen, ist man sehr limitiert bezüglich des möglichen Materials.

Für Eingeweihte ist es schwierig, einen guten Gesangslehrer zu finden. Viele, sogenannte Gesangslehrer sind nur stimmliche „Cheerleader“, die einen am Klavier begleiten.

Dies lehrt jedoch nicht, wie gesungen werden muss. Man bekommt nur viel Übung zum Klavier zu singen und die Noten eines Liedes zu lernen.

Des weiteren bemerkt man, dass man am falschen Ort ist, wenn die hauptsächliche Methodik des Lehrers aus Begriffen wie „Unterstütze mehr“, „Sing vom Zwerchfell“ und „Mach deinen Mund auf“ besteht. Wenn man innerhalb von ein paar Wochen keine Verbesserung der Stimme im Bereich der Klangproduktion und in der Erweiterung des Stimmumfangs bemerkt, sollte man am besten schnell einen anderen Lehrer finden!

Sollte die Gesangstechnik für Chorgesang die gleiche sein wie für Sologesang?

Ja, man sollte immer die gleiche Gesangstechnik verwenden, egal ob man alleine oder in einer Gruppe singt. Allerdings möchten Chorleiter manchmal, dass man den Klang verändert, um ihn mit den anderen Sängern in der Gruppe zu verschmelzen. Dies ist ok für Sänger, die schon eine gute Gesangstechnik entwickelt haben, aber es ist gefährlich für solche (die meisten), die dies nicht haben. Deine Stimme verschmilzt mit den der anderen, in Ordnung – aber zu welchem Preis? Ein Sänger sollte niemals bei korrekter Sprechniveau-Technik einen Kompromiss eingehen.

Warum ist die Haltung gegenüber Popularmusik an den Schulen bislang so negativ gewesen?

Ein Grund für die gerunzelte Stirn in einigen Institutionen, wenn Popularmusik genannt wird, ist dass viele Sänger, die ihre Lieder aufnehmen und berühmt werden, überhaupt kein Training hatten. Aber dies heißt nicht, dass mit der Musik etwas nicht stimmt. Viel davon ist brilliant. Nicht alles davon ist gut, genau wie nicht alle Musik in anderen Stilrichtungen gut ist. Traditionellere Stile hatten einfach mehr Zeit schlechtes Material auszusortieren.

Eine weiterer zugegebener Grund für den Mangel an Aufmerksamkeit für Popularmusik ist, dass die meisten Lehrer es einfach nicht unterrichten können. Obwohl die grundlegende Gesangstechnik für alle Arten von Musik die gleiche ist, oder sein sollte, sind die stilistischen Anforderungen für Popularmusik oft jenseits der Grundlage der Lehrer. Interpretation von Popularmusik ist eine sehr persönliche Sache, ohne strikte Kriterien für die Beurteilung einer erfolgreichen Performance des Liedes in diesem Stil. Klangqualität und Phrasierung wird vom Sänger festgelegt. Oft vermeiden Lehrer ihre mangelnden Fähigkeiten in diesem Bereich indem sie sagen, dass der Schüler zuerst die „richtige Art“ lernen und dann später die Lieder singen sollten, die sie singen wollen, indem sie unterstellen, dass jedes Singen jenseits  von Oper und Lieder eine Prostitution der Gesangskunst ist. Ihre übliche Methodik – die Schüler mit Aussprache, Atmung, Klangfarbe, Haltung etc. zu plagen – findet nicht in allen Popularmusikstilen Anwendung, wie beispielsweise Country, Rock, Jazz, Blues und Gospel.

Was sollten sie dann also unterrichten, wenn sie diese Dinge nicht unterrichten können?

Gesangstechnik! Nur Gesangstechnik! Lehrer sollten nicht grundlegende Gesangstechnik mit periphären Aspekten der Stilinterpretation ersetzen. Das ist eine ganz andere Sache. Der meiste Populargesang hat eine Sache gemeinsam: Er liegt auf einer Dialogebene. Bei Oper und anderen Formen traditioneller Stile ist dies nicht immer so, Sänger müssen aber trotzdem fähig sein in die Kopfstimme zu gehen ohne das Sprechniveau zu verlassen. Die meisten Schüler und Lehrer, die Oper singen, basieren ihre moderne Vorstellung von opernhaftem Klang auf einem „Woofy“ Konzept, das ist ein überproduzierter Klang, der gefährlich ist für die Gesundheit und Langlebigkeit der Stimme. Interessant ist, dass die besten Opernsänger (von gestern und heute) auf klare, gesprochene Weise singen, die einen jedes Wort durch ihren gesamten Umfang durch verstehen lässt. Dies ist das gleiche Ideal, auf das Leute in allen Arten guten Gesangs hören.

Wenn ein Sänger anfängt Gesangstechnik zu lernen, welches Liedmaterial sollte er singen?

Man sollte alles Material vermeiden, das die Stimme hinsichtlich der Dynamik zu sehr fordert. Man sollte Lieder aussuchen, die melodischer sind, nicht solche, die einen „Schub“ oder eine „dramatische“ Dynamik brauchen. Wie schon gesagt, Lieder singen ist nicht gleich Gesangstechnik. Nur weil ein Lehrer ermutigt „raus zu singen“ oder Tipps für die Interpretation gibt, heißt das nicht, dass man Gesangstechnik lernt. Ohne gute Gesangstechnik, sind Stil und Interpretation sehr eingeschränkt.

Was ist eine gute Laufstärke zum Üben?

Höchstens mezzo forte (mittlere Lautstärke). Jedoch dürfen wir nie vergessen, warum wir Übungen machen. Wir tun dies um das richtige Gleichgewicht zwischen ausgeatmeter Luft und den Stimmbändern einzustellen, was uns erlaubt auf Sprechniveau zu singen und dann das neuromuskuläre System mit diesem Gleichgewicht vertraut zu machen. Was die Lautstärke betrifft, sollte man nur so laut singen, wie man das Gleichgewicht mit einem gleich bleibenden, normalen Vibrato halten kann. Die Intensität oder Lautstärke dieses Klangs wird entstehen, sobald die Muskelkoordination geschaffen ist, Tonhöhen frei zu produzieren.

Wie viel sollte ich üben?

Man sollte genauso viel üben, wie viel man auftritt, oder noch mehr. Es ist nicht das gleiche. Beim Auftritt kommt der stimmliche Zustand zusammen mit den künstlerischen Anforderungen, die an die Stimme gestellt werden um Vorstellungen und emotionale Erfahrungen auf den Zuhörer zu kommunizieren und projezieren. Regelmäßige Gesangsübungen halten effektive Koordination aufrecht, so dass jede zeitgemäße Abweichung von guter Technik leicht bemerkt wird und schnell korrigiert werden kann.

Sollte man in der Probe anders singen als beim Auftritt?

Ja, vor allem, wenn man etwas neues lernt. Alle klugen Sänger heben in der Probe ihre Stimmen auf – nicht im Sinne, dass man nur wenig zu geben hat, sondern dass die Stimme während einer potenziel stressigen Situation entspannt bleibt. Proben legen einfach einen sehr hohen Anspruch auf die Stimme. Es ist „stop-and-go“ wenn man Noten lernt, Tonhöhen überprüft, sich anpasst und so weiter. Das macht es sehr leicht, in alte Gewohnheiten zurück zu fallen. Deshalb sollte man seine Musik „marken“, das heißt leicht singen oder sogar die hohen Töne eine Oktave tiefer singen, bis man alle Noten gelernt hat und man weiß, was von einem erwartet wird. Wenn man einmal weiß, wo man mit seiner Stimme hin muss, wird das neuromuskuläre System wesentlich kooperativer sein beim Singen der richtigen Noten mit der richtigen Technik.   

Wie unterrichten Sie junge Stimmen, genauergesagt unter 15 Jahren?

Für Jungen und Mädchen sollte grundlegende Musiklehre so bald wie möglich beginnen. Es ist gut ein Streichinstrument wie Violine, Viola oder Cello zu lernen. Es gibt dem Kind ein Gefühl von lang gezogenen, gebogenen Linien und eine „vibratone“ Klangqualität, die in der Tat ähnlich ist wie die Gesangsstimme. Klavier und Gitarre sind auch sehr gut, weil sie beim späteren Lernen von Harmonie helfen und sinnvoll als Begleitung sind. Natürlicherweise ist die Beschäftigung mit dem Lesen von Musik und Rhythmus bei allen Instrumenten von höchstem Wert.

Wenn die Stimme mit zunehmendem Alter ansprechbarer wird, unterstützt und vergrößert die schon aktivierte Musiklehre die allgemeinen musikalischen Fähigkeiten.

Was das eigentliche Gesangstraining betrifft, muss man vorsichtig sein. Bei Mädchen ist es nicht unüblich, dass sie im Alter von 10 Jahren leicht vom tiefen G zum A oder Es über dem hohen C und darüber zu vokalisieren. Und es ist möglich diesen großartigen Start aufrecht zu erhalten, wenn die, die mit der Stimme arbeiten, vorsichtig genug sind kein schweres Singen zu fordern. Damit ist der Wettbewerb in Gruppen älterer Stimmen und die Teilnahme an Schulmusicals gemeint, die Belting erfordern. Diese jungen Stimmen werden voller (abgerundet), ohne Verlust von Stimmumfang, Kraft und Qualität, wenn darauf geachtet wird, dass nicht überspannt wird.

Bei Männerstimmen kann der Wechsel vom Jungensopran zum Beginn der erwachsenen Männerstimme traumatisch sein. Es kann dramatisch passieren (in manchen Fällen über Nacht) oder ein für eine Weile ein bleibender „cracking limbo“ sein, der innerhalb einer Oktave hin- und herhüpft. Es ist peinlich und störend, und in der Tat (wenn der Junge mit seiner schönen Sopranstimme Erfolg erfahren hat) eine schlimme Erfahrung. Es gibt kein Versprechen, dass die Stimme in einen gleichbleibenden Zustand des Wohlbefindens zurückkehren wird.

Dies ist eine schwer zu durchlebende Zeit, außer man hat die geduldige und sachkundige Beratung eines Gesangstechnikexperten. Der junge Mann muss regelmäßig begutachtet werden, um sicher zu stellen, dass er durch den Wechsel seine Stimmkoordination so balanciert wie möglich hält.